Michael Armitage
Né en 1984 au Kenya d’un père Yorkshireman et d’une mère Kikuyu, Michael Armitage a grandi en Afrique de l’Est avant de se former en Grande-Bretagne, à la Slade School of Fine Art de Londres et à la Royal Academy, où il a obtenu son diplôme en 2010. Living and working between London and Nairobi, Armitage paints with oil on Lubugo, a traditional bark cloth from Uganda, which is beaten over a period of days creating a natural material which when stretched taut has occasional holes and coarse indents. As noted by the artist, the use of Lubugo is at once an attempt to locate and destabilise the subject of his paintings.
Applying the paint in layers, Armitage scrapes, revises and repaints his compositions. The visual iconography of East Africa lies at the heart of his practice: its urban and rural landscape, colonial and modern vernacular architecture, advertising hoardings, lush vegetation and varied animal life. Undermining this rich colour palette and dream-like imagery, however, is a quiet exposition of Kenya’s sometimes harsh reality: its politics, social inequalities, violence and extreme disparities in wealth. In turn, Armitage reflects on the more absurd aspects of the everyday, commenting on both society and the surrounding natural environment – evoked with a lyrical and phantasmagorical vision.
Né en 1984 au Kenya d'un père Yorkshireman et d'une mère Kikuyu, Michael Armitage a grandi en Afrique de l'Est avant de se former en Grande-Bretagne, à la Slade School of Fine Art de Londres et à la Royal Academy , où il a obtenu son diplôme en 2010. Vivant et travaillant entre Londres et Nairobi, Armitage peint à l'huile sur Lubugo, un tissu d'écorce traditionnel d'Ouganda, qui est battu pendant plusieurs jours pour créer un matériau naturel qui, lorsqu'il est tendu, présente des trous occasionnels et des entailles grossières. Comme le note l'artiste, l'utilisation de Lubugo est à la fois une tentative de localiser et de déstabiliser le sujet de ses peintures.
En appliquant la peinture en couches, Armitage gratte, révise et repeint ses compositions. L'iconographie visuelle de l'Afrique de l'Est est au cœur de sa pratique : son paysage urbain et rural, son architecture vernaculaire coloniale et moderne, ses panneaux publicitaires, sa végétation luxuriante et sa faune variée. Cependant, saper cette riche palette de couleurs et cette imagerie onirique est une exposition discrète de la réalité parfois dure du Kenya : sa politique, ses inégalités sociales, sa violence et ses disparités extrêmes de richesse. À son tour, Armitage réfléchit sur les aspects les plus absurdes du quotidien, commentant à la fois la société et l'environnement naturel environnant – évoqué avec une vision lyrique et fantasmagorique.
Barkcloth is a versatile material it comes primarily from trees of the family Moraceae.
It is made by beating sodden strips of the fibrous inner bark of these trees into sheets, which are then finished into a variety of items. Many texts that mention "paper" clothing are actually referring to barkcloth.
Mais d’où vient le succès cet artiste dont, selon ses dires, personne ne regardait les œuvres il y a six ans ?
Les toiles de Michael Armitage commencent à attirer l’attention lors de sa première apparition à la White Cube de Londres en 2015. La même année, il participe à diverses expositions collectives à New York, Pékin, Turin et en France, lors de la Biennale d’art contemporain de Lyon. Puis la White Cube fait découvrir l’artiste à Hong Kong en 2017, à travers l’exposition « Strange Fruit », dont le titre fait référence à une célèbre chanson de Billie Holiday dénonçant le lynchage des Afro-Américains.
L’une des toiles exposées Necklacing attire l’attention du Metropolitan Museum of Art de New York, qui l’acquiert en 2018 auprès de la White Cube. L’œuvre représente un homme nu au visage clownesque, affublé d’un pneu autour du cou. Il s’agit d’une référence directe à une pratique de lynchage courante en Afrique du Sud dans les années 1980, consistant à incendier une personne accusée d’un crime, au moyen du pneu imbibé d’essence porté en collier. Enfant, Armitage a été témoin de l’un de ces règlements de compte d’une terrible violence à Nairobi.
En 2018 donc, l’artiste intègre l’une des collections muséales les plus prestigieuses qui soit. Peu après, tous les projecteurs se braquent sur lui, du côté des institutions comme du marché de l’art international. En 2019, ses peintures et dessins font sensation à la 58e Biennale de Venise (« May you live in interesting times ») et au MoMA à New York (« Projects 110: Michael Armitage »), tandis que sa toile The Conservationists (2015) s’envole pour 1,52 million de dollars aux enchères, soit 25 fois l’estimation moyenne fournie par Sotheby’s New York. The Conservationists avait fait partie d’une exposition de la White Cube en 2016 et avait été achetée par un grand collectionneur new-yorkais à cette occasion. Trois ans plus tard, l’œuvre a atteint le prix d’un grand White Nets de Yayoi Kusama – l’une des 30 artistes les plus cotées du monde – vendu le même jour chez Sotheby’s.
Michael Armitage, Necklacing, 2016, huile sur toile d’écorce de lubago, 200 x 150,5 cm
But where does the success of this artist come from, whose works, according to him, no one looked at six years ago? Michael Armitage's canvases began to attract attention when he first appeared at the White Cube in London in 2015. In the same year, he participated in various group exhibitions in New York, Beijing, Turin and in France, during the Biennale. of contemporary art from Lyon. Then the White Cube introduced the artist to Hong Kong in 2017, through the exhibition "Strange Fruit", the title of which refers to a famous song by Billie Holiday denouncing the lynching of African Americans. One of the canvases on display Necklacing attracts the attention of the Metropolitan Museum of Art in New York, which acquired it in 2018 from the White Cube. The work represents a naked man with a clownish face, wearing a tire around his neck. This is a direct reference to a common lynching practice in South Africa in the 1980s, of setting fire to a person accused of a felony, using the gasoline-soaked tire worn as a necklace. As a child, Armitage witnessed one of those brutal settling of scores in Nairobi. In 2018, therefore, the artist joined one of the most prestigious museum collections there is. Soon after, all the spotlight was turned on him, both on the institutional side and on the international art market. In 2019, his paintings and drawings caused a sensation at the 58th Venice Biennale (“May you live in interesting times”) and at MoMA in New York (“Projects 110: Michael Armitage”), while his canvas The Conservationists (2015) is sold for $ 1.52 million at auction, 25 times the average estimate provided by Sotheby's New York. The Conservationists was part of a White Cube exhibition in 2016 and was purchased by a major New York collector for the occasion. Three years later, the work reached the price of a large White Nets by Yayoi Kusama - one of the 30 top-rated artists in the world - sold the same day at Sotheby's.
Il faut dire aussi que The Conservationists est arrivée en salle de ventes alors que l’acquisition d’œuvres d’artistes africains ou liés au continent africain était l’une des grandes priorités des musées et de bon nombre de collectionneurs privés des États-Unis et d’ailleurs. À ce moment-là, les plus grandes institutions du pays revendiquent le BIPOC (Black, Indigenous and People of Color) comme un nouvel impératif dans leur gouvernance et dans leurs projets d’acquisitions.
L’année 2019 est une année clef à ce titre. Denise Murrell, curatrice de la retentissante exposition « Posing Modernity : The Black Model from Manet and Matisse to Today », est engagée par le Metropolitan Museum of Art de New York. Ashley James devient la première conservatrice noire du musée Guggenheim et le MoMA nomme l’artiste et curateur nigérian Ugochukwu-Smooth C. Nzewi conservateur de son département de peintures et sculptures.
Ce travail, visant plus d’inclusion et d’équité, s’est accentué en 2020 après le mouvement Black Lives Matter, qui a conduit certains musées à vendre des œuvres – généralement d’artistes blancs, souvent masculins – pour diversifier leurs collections permanentes. D’autres musées ont débloqué des fonds consacrés à l’acquisition d’œuvres des 20e et 21e siècles par des artistes BIPOC. Le Met s’est engagé à consacrer 10 millions de dollars à cette fin.
It must also be said that The Conservationists arrived in the auction room when the acquisition of works by African artists or those linked to the African continent was one of the main priorities of museums and many private collectors in the United States. and by the way. At that time, the country's largest institutions claimed the BIPOC (Black, Indigenous and People of Color) as a new imperative in their governance and in their acquisition projects. 2019 is a key year in this regard. Denise Murrell, curator of the sensational exhibition "Posing Modernity: The Black Model from Manet and Matisse to Today", is engaged by the Metropolitan Museum of Art in New York. Ashley James becomes the first black curator of the Guggenheim Museum, and MoMA appoints Nigerian artist and curator Ugochukwu-Smooth C. Nzewi as curator of its paintings and sculpture department. This work, aiming for more inclusion and equity, was accentuated in 2020 after the Black Lives Matter movement, which led some museums to sell works - generally by white artists, often male - to diversify their permanent collections. . Other museums have made available funds for the acquisition of 20th and 21st century works by BIPOC artists. The Met has pledged $ 10 million for this purpose.
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